Safety la ultima linea de defensa

 

Sinopsis oficial

La inspiradora historia de Ray McElrathbey, antiguo "safety" de la Universidad de Clemson, un joven que se enfrentó a todo tipo de dificultades y cuya dedicación y persistencia le permitieron superar numerosas adversidades. Con ayuda de sus compañeros de equipo y de la comunidad de Clemson, logró triunfar en el campo, a la vez que criaba y cuidaba de Fahmarr, su hermano de once años.

d

6 /10de

Futbolista con niño

Ray McElrathbey, de clase muy humilde, cariñosamente conocido como Ray Ray por sus compañeros, logra una beca para estudiar en la Universidad de Clemson, en Carolina del Sur, donde formará parte del equipo de fútbol americano. Pero su madre, Tonya, adicta a las drogas, tiene que ser internada en una clínica, por lo que no sabe qué hacer con Fahmarr, su hermano de once años, al no tener otros familiares con los que se pueda quedar. Así que decide llevárselo a escondidas al campus.

El afroamericano Reginald Hudlin, productor de Django
desencadenado y realizador de amplia trayectoria en el campo televisivo, filma otra película protagonizada por un afroamericano, aunque esta vez se trata de un personaje real, que vivió una experiencia parecida a la de José Luis Ozores en Recluta con niño. El relato se adscribe al género de superación a través del deporte, pero consigue bastante frescura, por ejemplo recurriendo al humor (tienen gracia los momentos en los que el personaje trata de esconder a Fahmarr en lugares pintorescos). Además, su mensaje pivota en torno a que la victoria y el éxito tiene una importancia secundaria, frente a la importancia de ayudar a la familia y a quienes forman parte de la comunidad. Y se plantea si instituciones como las ligas universitarias no están aprovechándose de los estudiantes.

Por lo demás, Jay Reeves (Ray) y sobre todo el joven Thaddeus J. Mixson (Fahmarr), dan la talla en la piel de los protagonistas, aprovechando que el guión se esfuerza por darles tridimensionalidad; y las secuencias futbolísticas están bien firmadas. Se perdona por tanto alguna caída de ritmo, y algún momento un tanto ingenuo o infantil, como la broma basada en que uno de los personaje,s con las prisas, se ha puesto los pantalones del revés.

Pinocho

02h 05 min | Aventuras | Fantástico | Dram)




El viejo carpintero Geppetto crea una marioneta de madera. Pero sucede algo mágico: la traviesa marioneta empieza a hablar, a andar, a correr y a comer como cualquier niño. Geppetto le pone el nombre de Pinocho y lo cría como a un hijo. Pero a Pinocho le resulta difícil ser bueno. Se deja llevar fácilmente por el mal camino y va de desgracia en desgracia. Unos bandidos lo persiguen, lo engañan y lo secuestran en un mundo de fantasía repleto de criaturas fantásticas, desde el vientre de un pez gigante hasta el País de los Juguetes y el Campo de los Milagros. Su fiel amiga, el Hada, intenta hacerle ver que su sueño, convertirse en un niño de verdad, no se hará realidad hasta que Pinocho no cambie su forma de ser.


7 /10decine21
Crítica Pinocho (2020)

por José María Aresté

El muñeco cobra vida

Lograda adaptación con actores de carne y hueso del gran clásico del italiano Carlo Collodi, a cargo de un compatriota a priori inesperado, Matteo Garrone, director y coguionista junto a Massimo Ceccherini. Conocido Garrone sobre todo por Gomorra, sus películas posteriores Reality y sobre todo El cuento de los cuentos, están más próximas al universo de Pinocho de lo que uno a primera vista podría sospechar. Y es que se nota que el cineasta ama y ha interiorizado el célebre cuento del muñeco de madera que quiere ser un niño de verdad.


En tiempos de carestía, Geppetto consigue que Maese Cereza le regale un trozo de tronco, con el que fabrica un muñeco de madera, la marioneta de un niño al que llama Pinocho. Esa madera tiene una magia especial, y Pinocho cobra vida. Para Geppetto es como el hijo que siempre quiso tener, y se empeña en educarle y en que vaya a la escuela. Pero el inexperto Pinocho tiene curiosidad por todo, es desobediente y le encanta hacer lo que le viene en gana. Lo que inevitablemente le enreda y mete en muchos líos, pero también sirve para que madure como persona y vaya venciendo poco a poco su egoísmo.

El temor ante este Pinocho era que se tratara de una versión más sin alma. O que Garrone ofreciera una visión adulta o psiconalítica sesuda que traicionara las intenciones de Collodi. Pero no, el film es tremendamente fiel al original, con el valor añadido de que está muy bien hecho técnicamente. De modo que se exploran con acierto los deseos de paternidad de Geppetto. Y sobre todo la personalidad de Pinocho, con la mentalidad de un niño caprichoso para el que solo existe su propia voluntad, que se arrepiente cuando obra mal, pero fácilmente vuelve a sucumbir en el error. Y es que le seduce la idea de un árbol con monedas de oro, y como nos ocurre hoy a cualquiera ante las atractivas ofertas que nos llegan a través de los medios de comunicación, se le engatusa con cualquier nadería. Al mismo tiempo, se nota su buen corazón, el deseo de rectificar y de hacer feliz a su papá carpintero. Ah, si escuchara más esa conciencia que le habla a través de grillo, o las recomendaciones de su hada buena...



Resulta toda una alegría que los italianos se hayan adelantado a la que Disney entregue su versión con imagen real de Pinocho –como vienen haciendo con títulos como La Bella y la Bestia, Maléfica y El libro de la selva–, y que su empresa haya tenido tan feliz resultado. Porque la dirección artística y el enfoque de cómo debían ser Pinocho y las demás criaturas es perfecto, no se cae en el empalago ni en lo grotesco. La gran labor de maquillaje del oscarizado Mark Coulier hace posible el milagro de que parezca que, de verdad, un muñeco de madera tiene vida. Y también tienen encanto y gracia Grillo, el juez simiesco y el aspecto de caracol de Lumaca. Por su parte Gato y Zorro presentan el toque justo para que su aspecto se asimile a estos nombres. Los actores están muy bien, empezando por el niño que da vida Pinocho, Federico Ielapi, y siguiendo por Roberto Benigni como Geppetto, que así se resarce en parte del fracaso de su propia versión de Pinocho de 2002, donde él era el muñeco de madera. La música de Dario Marianelli es bella, pero quizá se hace demasiado omnipresente.
José María Aresté
P

El padre

☆ ☆ ☆ ☆ ☆
DESTACADA
El padre
The Father

Drama
Público apropiado: Jóvenes
Valoración moral: Adecuada

Año: 2020
País: Reino Unido
Dirección: Florian Zeller

Contenidos
Sin violencia | Sin detalles sensuales | Sin escenas sexuales explícitas | Sin diálogos soeces | Sin ideas de fondo inmoral


Contenidos: ---
Dirección: Florian Zeller
Intérpretes: Anthony Hopkins, Olivia Colman, Imogen Poots, Rufus Sewell, Olivia Williams, Mark Gatiss
Argumento: Florian Zeller (obra de teatro)
Guión: Florian Zeller, Christopher Hampton
Fotografía: Ben Smithard
Distribuye en cine: A Contracorriente

Reseña:

La historia de Anthony, un hombre de casi 80 años que vive solo en su apartamento de Londres y quien rechaza cada una de las enfermeras que su hija, Anne, trata de imponerle. Sin embargo, tal necesidad es cada vez más acuciante para ella, ya que ha decidido trasladarse a París para vivir con un hombre que acaba de conocer. Pronto se hace evidente que la percepción de la realidad es cada vez más confusa para Anthony.

El drama del envejecimiento y el decaimiento físico y psíquico, que afecta a las relaciones padre-hija, hasta el punto incluso de convertir en nebulosa una tragedia familiar que les marcó profundamente, se cuenta de modo maravilloso, con el dilema de cuidar al que lo necesita o dejar esa tarea en manos de profesionales, porque también quien está en la plenitud de la vida debe seguir adelante con sus proyectos e ilusiones. Hay amor y cariño, y hay dolor, a la hora de ver cómo se prodigan los cuidados, algo que hacen de distinta forma la familia directa, la política y los profesionales. (Almudí JD). Decine21: AQUÍ

El robo del siglo

Año: 2020
País: Argentina
Dirección: Ariel Winograd

Contenidos
Sin violencia | Sin detalles sensuales | Sin escenas sexuales explícitas | Diálogos soeces | Sin ideas de fondo inmoral


Contenidos: Diálogos (algunos D)
Dirección: Ariel Winograd
Intérpretes: Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, Juan Alari, Johanna Francella
Guión: Alex Zito, Fernando Araujo
Música: Dario Eskenazi
Fotografía: Félix Monti
Distribuye en cine: Syldavia Cinema

Reseña:

Llueve copiosamente y en la calle no hay un alma. Araujo está refugiado bajo el alero de un local cerrado. Delante está la fachada del Banco Río. Es viernes 13 de enero de 2006. Los francotiradores del Grupo Halcón están a la espera de una orden. Más de tres centenares de policías diseminados por el lugar aguardan la voz de su jefe.

Miguel Sileo, el negociador, deja diluir las esperanzas de que Vitette, uno de los líderes de la banda de ladrones que entró a la sucursal del Banco Río de Acassuso de señales de vida. Las pizzas que había pedido como condición se habían enfriado. El grupo Halcón recibe la orden y entra: se encuentran con lo inesperado. Armas de juguete y una veintena de rehenes asustados los esperan dentro; no hay señales del grupo de ladrones.

Como toda película de atracos busca un ritmo vivo y una intriga constante, aunque como película argentina ofrece, además, unas enormes dosis de texto divertido y contexto porteño.

Tiene una solvencia narrativa, un despliegue visual y musical (...) como para que ese impactante golpe en el que -como coincidieron casi todas las crónicas- "la realidad superó a la ficción" encuentre ahora un bienvenido y potente realismo... desde la ficción.

El film atrapa, porque está rodando por Ariel Winograd con un ritmo ágil, y por el ingenio para ir superando los obstáculos que surgen a la hora de dar el golpe, o la emoción sobre si lograrán huir. (Almudí JD). Decine21

La batalla olvidada

Sinopsis oficial


Noviembre de 1944. Mientras en la península inundada de Walcheren (Zelanda) miles de Aliados combaten al ejército alemán, las vidas de tres jóvenes se entrelazan irremediablemente. Un chico holandés que lucha en el bando alemán, un piloto inglés de vuelo sin motor y una chica zelandesa que se une de mala gana a la Resistencia deben afrontar decisiones trascendentales no solo sobre su propia libertad, sino también sobre la libertad de los demás.


6 /10decine21
Crítica La batalla olvidada (2020)

por José María Aresté


Cada operación bélica cuenta

Estupenda muestra de cine bélico holandés, que se enmarca en uno de los episodios menos conocidos de la Segunda Guerra Mundial. Una de las grandes virtudes del film dirigido por Matthijs van Heijningen Jr. es la de abrirse con un prólogo que sitúa perfectamente la situación en que nos encontramos, lo que permite luego desarrollar la historia. De modo que se nos explica que tras el desembarco de los aliados en Normandía, hay un rápido avance hacia Berlín, pero resulta crucial asegurar la posesión de un puerto que garantice la entrega de provisiones y equipamiento al ejército. Y en efecto, se ocupa Amberes, pero los alemanes todavía dominan el paso hasta el puerto al seguir ocupada Holanda, de modo que se pondrá en marcha una operación con vistas a conquistar en la retaguardia Arnhem y facilitar el combate en las marismas.


Una vez teniendo claro esto, el guión de Paula van der Oest juega a tres bandas. Por un lado, en Holanda, la joven Teun debe contactar con la Resistencia para ayudar a su hermano, detenido por los nazis, a pesar de que el padre de ambos, médico, tiene una buena relación con el enemigo por su labor en el hospital; Marinus, que está en el frente oriental luchando con los alemanes será destinado a su Holanda natal, algo no deseado por él a priori; y en Inglaterra el joven piloto John tendrá oportunidad de estrenarse en una misión de guerra, aunque su avión caerá a tierra en posición alemana.


La película es de corte muy clásico, está bien narrada y llama la atención por sus valores de producción, en la reconstrucción de la época y en las escenas bélicas, sobre todo las aéreas y en las zonas pantanosas, resueltas con buenos efectos visuales. En el reparto se puede reconocer, en un papel menor, a Tom Felton, que le guste o no siempre seré el Draco Malfoy de la saga Harry Potter.

Noticias del gran mundo

DESTACADA
Noticias del gran mundo
News of the World

Acción Aventuras Western Drama
Público apropiado: Jóvenes
Valoración moral: Adecuada

Año: 2020
País: EE.UU.
Dirección: Paul Greengrass

Contenidos
Sin violencia | Sin detalles sensuales | Sin escenas sexuales explícitas | Sin diálogos soeces | Sin ideas de fondo inmoral


Contenido: ---
Dirección: Paul Greengrass
Intérpretes: Tom Hanks, Helena Zengel, Elizabeth Marvel, Ray McKinnon, Mare Winningham, Neil Sandilands, Chukwudi Iwuji, Thomas Francis Murphy, Christopher Hagen, Michelle Campbell, Fred Hechinger, Michael Angelo Covino
Argumento: Paulette Jiles (novela)
Guión: Paul Greengrass, Luke Davies
Música: James Newton Howard
Fotografía: Dariusz Wolski
Distribuye en cine: Universal
Distribuye en formato doméstico: Netflix

Reseña:

Cinco años después del fin de la Guerra Civil estadounidense, el capitán Jefferson Kyle Kidd , veterano no de una, sino de tres guerras, va de ciudad en ciudad narrando noticias, hablando de presidentes y reinas, de luchas gloriosas, devastadoras catástrofes y apasionantes aventuras que tienen lugar en cualquier rincón del mundo.

Un día, en las llanuras de Texas, el capitán conoce a Johanna, una niña de diez años que fue secuestrada seis años atrás por la tribu Kiowa, y que durante este tiempo fue educada como uno de ellos. Johanna, en contra de su voluntad, debe irse a vivir a casa de sus tíos, un lugar hostil y desconocido para ella. El capitán Kidd acepta entregar a la niña a sus tutores legales. En el viaje, ambos recorrerán cientos de kilómetros a través de una inhóspita naturaleza, y deberán enfrentarse a enormes dificultades, humanas y naturales, en búsqueda de un lugar al que puedan llamar “hogar”.

Vibrante y dinámico western. La película maneja con soltura diversos elementos narrativos, bien conjuntados, que configuran una gran historia. Por supuesto, está la relación entre Kidd y Johanna, un poco al estilo de la que puede suscitar una “niña salvaje” criada por los indios, que ya inspiró a John Ford en Centauros del desierto, un director de referencia, por supuesto en las citas nada disimuladas de los planos en los umbrales de una puerta, y en el cementerio de San Antonio. Pero también tiene fuerza el oficio de Kidd de contador de historias, los relatos que nos sacan de nuestro pequeño mundo nos enriquecen y abren horizontes, evitando la grosera manipulación de los que manejan los hilos del poder. (Almudí JD). Decine21:

Soul ( mensaje)

☆ ☆ ☆ ☆ ☆
DESTACADA
Soul
Soul

Animación
Público apropiado: Todos-jóvenes
Valoración moral: Adecuada
Es familiar

Año: 2020
País: EE.UU.
Dirección: Pete Docter, Kemp Powers

Contenidos
Sin violencia | Sin detalles sensuales | Sin escenas sexuales explícitas | Sin diálogos soeces | Sin ideas de fondo inmoral


Contenidos: ---
Dirección: Pete Docter, Kemp Powers
Guión: Pete Docter, Mike Jones, Kemp Powers
Música: Jonathan Batiste, Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Matt Aspbury, Ian Megibben
Distribuye en formato doméstico: Disney+

Reseña:

Desde que su padre le llevó a un club nocturno cuando era niño, Joe Gardner se convirtió en un apasionado del jazz. Ya adulto, no consigue abrirse camino como pianista, por lo que se ve obligado a dar clases de música para sobrevivir.

Los largometrajes de Pixar no sólo se distinguen por su impecable técnica, sino porque tienen alma. Lo mismo ocurre con el titulado precisamente Soul, que puede que no tenga la intensidad dramática de los grandes títulos de la factoría, como Toy Story 3, pero sí la suficiente como para conmover en un par de ocasiones.

Por primera vez la factoría recurre como protagonistas a afroamericanos, y como siempre en las producciones de la casa, todos están llenos de humanidad. Celebración de la vida, Soul encierra tantas reflexiones que un poco más y parece una película de Bergman, con quien de hecho comparte el tema central de su filmografía, la muerte. A veces son poco sutiles y demasiado discursivas, en relación con otros filmes de Pixar, pero siempre muy positivas. (Almudí JD). Decine21: AQUÍ

Volver a empezar (Herself) Irlanda

Sinopsis oficial


A primera vista, Sandra es una joven madre que se esfuerza en conseguir un hogar cálido, seguro y feliz donde crezcan sus dos pequeñas hijas. Decidida a que sus vidas mejoren, y cuando entiende que las instituciones no van ayudarla, decide que lo levantará desde cero. Con muy poco dinero y sin ahorros, Sandra deberá utilizar toda su ingenuidad para convertir en realidad su ambicioso plan. Al mismo tiempo, debe escapar del control de su posesivo exmarido y alejarle de sus hijas y de ella misma. Pero nada puede amedrentar a Sandra, que reúne a una serie de amigos dispuestos a apoyarla y ayudarla.
Autoconstrucción

Dublín. Sandra ha tenido que huir con sus dos hijas de 6 y 8 años de su marido, Gary, un peligroso maltratador. Se verá obligada a alojarse en un hotel, mientras pide ayudas sociales para pagar el alquiler de un hogar, al tiempo que desempeña dos trabajos, limpiar un bar y ejercer de asistenta para Peggy, veterana médica que se recupera de una lesión de cadera. Ésta se apiada de ella, así que le cede un espacio en su amplio jardín, en el que Sandra podrá construir su propia casa, si cuenta con la ayuda adecuada. Se ofrece a echarle una mano Aido, contratista que tiene un hijo con síndrome de Down.

Phyllida Lloyd está especializada en películas protagonizadas por mujeres, pues estuvo detrás de Mamma Mía!, que arrasó en taquillas, y de La dama de hierro, ambas con Meryl Streep, que con la segunda ganó un Oscar. Pese a debutar con dos filmes tan prometedores, ha tardado más de nueve años en rodar el tercero, durante los que se ha dedicado sobre todo al teatro. Regresa con un proyecto claramente feminista muy adecuado para los tiempos del #MeToo.

El guión de Malcolm Campbell (La reina blanca), en el que también ha intervenido la actriz protagonista, Clare Dunne, quizás resulta un poco monolítico en su tratamiento de la violencia machista, sobre todo si se compara con el de otros títulos más complejos sobre el tema, como el español Te doy mis ojos. De esta forma, el ex psicópata no pasa de ser un cliché. Pero esto no quita para que el film funcione cuando retrata los esfuerzos de una mujer por recuperar la autoconfianza, y que descubre que siempre se necesitará de buena gente, y que por fortuna el mundo está lleno de ella. Resulta más apropiado el título original, “Herself”, que se podría traducir como “por sí misma”, y que sería irónico, que el español, Volver a empezar, idéntico al del famoso film de José Luis Garci.





Lloyd compone una narración un tanto agridulce, pero con toques positivos, y guiños al cine de Frank Capra. Dirige con maestría, y sobre todo logra que realice un gran trabajo todo el reparto. Pero le corresponde el mayor peso a la citada Dunne, irlandesa hasta ahora vista en papeles muy secundarios en títulos como Spider-Man: Lejos de casa, pero que como otros de sus compañeros ha trabajado con la realizadora sobre las tablas.

Minari. Historia de mi familia ( Tokio ) auto biografia

☆ ☆ ☆ ☆ ☆
DESTACADA
Minari. historia de mi familia
Minari

Drama
Público apropiado: Jóvenes
Valoración moral: Con inconvenientes

Año: 2020
País: EE.UU.
Dirección: Lee Isaac Chung

Contenidos
Sin violencia | Sin detalles sensuales | Sin escenas sexuales explícitas | Diálogos soeces | Sin ideas de fondo inmoral


Contenidos: Diálogos (algunos D)
Dirección: Lee Isaac Chung
Intérpretes: Steven Yeun, Yeri Han, Youn Yuh-Jung, Will Patton, Alan Kim, Noel Kate Cho, Scott Haze, Eric Starkey, Esther Moon, Darryl Cox, Ben Hall, Jacob M Wade, James Carroll Jordan
Guión: Lee Isaac Chung
Música: Emile Mosseri
Fotografía: Lachlan Milne
Distribuye en cine: A Contracorriente

Reseña:

Ambientada en los años 80 e inspirada en las vivencias del director, sigue a una familia coreana-americana que se muda a una pequeña granja de Arkansas en busca de su propio sueño americano. La casa de la familia cambia completamente con la llegada de su abuela. En medio de la inestabilidad y los desafíos de esta nueva vida en el campo, la película muestra la resistencia innegable de la familia y lo que realmente hace un hogar. Una tierna y amplia historia sobre lo que nos arraiga.

Dramón, con algún momento logrado de humor (sobre todo en torno a la abuela malhablada), rinde tributo a los emigrantes que gracias a su perseverancia y a su capacidad de trabajo salen adelante, en lo que es una reedición del esfuerzo por lograr hacer realidad el sueño americano. Pero también habla de apreciar las cosas sencillas y las raíces de cada persona, y saber valorar a los miembros de la familia, pese a que a veces puedan no comportarse de la forma esperada. Logró los premios de la crítica y el Gran Jurado en Sundance, y el del público en la Seminci, lo que pone de relieve que el relato logra conectar con los espectadores. (Almudí JD). Decine21: AQUÍ

Siempre contigo

☆ ☆ ☆ ☆ ☆
DESTACADA
Siempre contigo
Here We Are

Drama
Público apropiado: Jóvenes
Valoración moral: Adecuada

Año: 2020
Países: Israel, Italia
Dirección: Nir Bergman

Contenidos
Sin violencia | Sin detalles sensuales | Sin escenas sexuales explícitas | Sin diálogos soeces | Sin ideas de fondo inmoral


Contenidos: ---
Dirección: Nir Bergman
Intérpretes: Shai Avivi, Noam Imber, Smadi Wolfman, Efrat Ben-Zur, Amir Feldman, Sharon Zelikovsky, Natalia Faust, Uri Klauzner, Avraham Shalom Levi, Omri Levi
Guión: Dana Idisis
Fotografía: Shai Goldman
Distribuye en cine: Avalon

Reseña:

Aharon ha dedicado toda su vida a criar a su hijo Uri. Viven juntos en una rutina amable, lejos del mundo real. Pero Uri es autista y ya es lo suficientemente adulto para ir a un hogar especializado. En su camino a la institución, Aharon decide escaparse con su hijo y se lanzan a la carretera, sabiendo que Uri no está preparado para la separación. Aunque quizá sea el padre el que no está preparado.

Sensible y sutil drama israelí sobre el autismo, los vínculos paternofiliales y el miedo a dejar volar a los hijos, con un guión sincero de Dana Idisis, al parecer inspirado en vivencias propias

Madres verdaderas ( Asa ga Kuru)

Sinopsis oficial


Satoko y su esposo estarán vinculados para siempre con Hikari, la niña de 14 años que dio a luz a Asato, su hijo adoptivo. Hoy, Asato tiene 6 años y la familia vive feliz en Tokio. Pero Hikari desea reanudar el contacto con la familia, y por ello provocará un reencuentro...


8 /10decine21
Crítica Madres verdaderas (2020)

por José María Aresté

Alegría y dolor

Emotiva película de la cineasta japonesa Naomi Kawase, muy coherente con su filmografía previa, que en colaboración con Izumi Takahashi adapta de modo personalísimo una novela de Mizuki Tsujimura, lo que le permite una exploración poliédrica y llena de matices acerca de la hermosura de la maternidad, lo que supone amar y criar a un hijo. El qué, la trama y sus protagonistas, y el cómo, la aproximación visual y sonora, se trenzan armoniosamente conformando una película que se clava honda en el alma del espectador. Por temática y sensibilidad, es quizá el film de Kawase que más se acerca al cine de su admirado Hirokazu Koreeda.


No estamos ante una narrativa lineal, y sin embargo Kawase saber ser muy clara en la exposición, donde una “miguita” nos lleva a otra, y yendo temporalmente hacia atrás y hacia adelante, comprendemos bien la historia. Un disgusto con el niño Asato, acusado de mal comportamiento en la guardería, nos lleva a conocer lo mucho que han deseado y han luchado los padres por tener a ese hijo. Porque Satoko, por problemas de fertilidad en el esposo, no se quedaba embarazada, y acabaron recurriendo a la adopción. En el otro lado, tenemos a la adolescente Hikari, que se quedó encinta de un compañero de clase al que amaba, y a la que sus padres obligaron a renunciar al bebé, Asato, por supuesto. Sakoto ha sido muy feliz con su hijo, pero Hikari siempre le ha echado en falta, y la incomprensión familiar le obligó a madurar antes de tiempo, y a vivir con independencia.

La película nos presenta la maternidad desde distintas ópticas, todas verdaderas, aunque algunas más ejemplares que las otras. Además de las dos madres citadas, con su alegría y su dolor, podemos hablar de la mujer que regenta el centro de adopción, de algunas de las chicas que acoge ahí hasta que dan a luz y entregan a sus bebés, y de la madre de Hikari, que muestra un rigorismo y una incomprensión hacia su hija que hiela la sangre. Y hay además otros personajes, porque el pedazo de vida cotidiana que nos entrega la directora es rico en matices, por ejemplo el jefe de Hikari, que saca a colación el problema de la comunicación, cuando no se habla y se expresan los sentimientos, vienen las sorpresas, el marido de Satoko, el inmaduro novio de Hikari, o los mafiosos que extorsionan a una amiga de Hikari. Todos los actores, desde las protagonistas a los que tienen menos presencia, están geniales.


Estéticamente, la película es una maravilla, y eso sin alardes preciosistas, con imágenes bastante naturalistas, a veces con una iluminación intensa, de fotografía quemada, y con presencia del mar, los árboles, o elementos urbanos, acompañados de los sonidos correspondientes y de una maravillosa partitura musical de Akira Kosemura.

La metarmofosis de los pajaros

inopsis oficial


Beatriz y Henrique se casaron el día que ella cumplió 21 años. Henrique, oficial de la marina, pasa largas temporadas en el mar. En tierra, Beatriz, que siempre tuvo una relación muy especial con las plantas, cuida de sus seis hijos. Su hijo mayor, Jacinto, sueña a menudo con ser un pájaro. Un día, de repente, Beatriz desaparece.


6 /10decine21
Crítica La metamorfosis de los pájaros (2020)

por José María Aresté


Historias de familia

Película lírica y evocadora de recuerdos familiares, de ausencias que sin embargo siguen siendo presencias. La cineasta portuguesa Catarina Vasconcelos bucea en un pasado que implica a tres generaciones con sosiego contemplativo. Está el padre marino Henrique, con frecuencia ausente de casa, Beatriz queda al frente del hogar al que van incorporándose hasta seis hijos. Le ayuda en las tareas del hogar Zulmira, que completa a su manera los relatos con que la madre entretiene a sus hijos.



La cinta está próxima al cine experimental, y no es adecuada para todos los paladares, pues lo que se cuenta se no explicita o da mascado, cuestiones que forman parte de la experiencia humana cotidiana como la enfermedad, la muerte o la fe son simplemente sugeridas. Hay apuestas estéticas como el formato de pantalla cuadrado, y la abundante voz en off con la que hablan distintos miembros de la familia, más actores que representan a los componentes del plan en sus años mozos. Con la idea de que, a modo de fantasmas, aquellos que no están porque están de viaje o porque la enfermedad les lleva a emprender el último viaje, siguen presentes en objetos familiares, tras experimentar una metamorfosis como la de los pájaros.

Muchos espectadores volverán a experimentar sensaciones propias de los hogares de las familias numerosas del siglo XX, con los bulliciosos juegos de los hermanos, la colección de sellos exóticos evocadores de animales y continentes, o la composición de puzzles de mil piezas. Y quizá se pregunten hoy, en la era de internet y los teléfonos móviles, si la felicidad no estaba más al alcance entonces, cuando se sabían apreciar las cosas pequeñas.

Worth

01h 58 min | Histórico | Drama
Sinopsis oficial:Tras los atentados de 2001 contra el World Trade Center y el Pentágono, el Congreso nombra al abogado Kenneth Feinberg para dirigir el Fondo de Compensación a las Víctimas del 11 de Septiembre. Pero ¿cómo puede poner en valor las vidas perdidas? Atrapado entre abogados que quieren demandar y los grupos de presión de las aerolíneas que quieren llegar a un acuerdo, Feinberg debe negociar con las familias de las víctimas. Cuando se enfrenta a Charles Wolf, un organizador comunitario entre los afectados y cuya esposa murió en una de las torres, Feinberg empieza a conocer el coste humano de la tragedia






Una película sobre los ataques terroristas del 11-S en 2001, de los que ahora se cumplen 20 años, con una óptica diferente. Se centra en la creación y gestión del Fondo de Compensación de las Víctimas de los atentados, del que se ocupa el brillante director de un bufete de abogados Kenneth Feinberg. En Washington hay un deseo sincero de compensar a las familias de los fallecidos de la irreparable pérdida de esos seres queridos. Y Feinberg querría servir a sus compatriotas siendo justo en el reparto de esas ayudas a las familias, manejando sin despilfarrarlo el dinero de los contribuyentes; lo que viene bien a la Casa Blanca del presidente republicano George W. Bush, pues el abogado es conocido por sus simpatías demócratas, de modo que no se quemaría en tema tan delicado. Así que cara al éxito de provisionar bien este fondo evitando futuras demandas judiciales colectivas, disponen de poco más de dos años para poner de acuerdo a más de un 80% de los afectados, una tarea nada sencilla, pues se mezclan los intereses económicos con el intangible dolor de las familias.





Estamos ante un film que interesa casi de inmediato, dirigido por la no muy prolífica Sara Colangelo, a partir de un guión de Max Borenstein, más conocido por sus libretos de superproducciones de la saga Godzilla que por sus dotes para componer dramas de interés humano. Ambos salen airosos del desafío de componer un drama judicial con muchos elementos técnicos, pero que sabe hacer hincapié en el lado humano de lo que se aborda. Asegura Colangelo que ha querido pintar el viaje de Feinberg del cinismo a la compasión; se entiende lo que quiere decir, aunque yo no diría “cinismo”, sino más bien “pragmatismo”, una mirada racionalista a un problema, que trata de no dejarse dominar por unas emociones demasiado a flor de piel en la sociedad estadounidense, y de modo muy particular entre los afectados.

El film es muy didáctico en sus intenciones, comenzando por la secuencia de apertura, una clase en la universidad a cargo del protagonista, donde desafía a los alumnos a poner a las personas un “precio” para poder indemnizar a sus allegados en determinados supuestos. Luego todo el film consiste en dar vueltas a esta idea difícil de aplicar en el mundo real, pues existe el riesgo de aplicar una determinada justicia sin ver a las personas que sufren, lo que conduce a una sociedad deshumanizada, en la que están ausentes otros elementos de la ecuación, tan importantes al menos como la justicia, no siendo el inferior de ellos la compasión.


Es cierto que una vez establecidas las reglas del “juego” la película puede ser algo reiterativa. Pero está bien desarrollado el “viaje” de Feinberg, y algunos casos particulares –la viuda de un bombero, el homosexual que perdió a su pareja...– más las actitudes de otros implicados en el caso, sobre todo Charles Wolf, que perdió a su esposa en los ataques, y que se convierte en la otra cara de la moneda en lo relativo a la compasión por las familias, creando un movimiento de oposición al modo en que se ha planteado originariamente el fondo.

Está muy bien escogido todo el reparto, actores de primera que sostienen muy bien la trama. Sobre todos destaca Michael Keaton, que sabe imprimir muchos matices a su abogado, que no solo debe mostrarse como un buen profesional, sino como una buena persona, capaz de hacerse cargo de los dramas de sus clientes
aís: EE.UU.